«Solo tratamos de hacer lo que recomienda Quincy Jones, cada música tiene su alma», dice Daniel Lanois. “Más allá del estilo, cada música tiene su alma. Como creador de discos, tienes la responsabilidad de llegar al alma de esa música. Y como oyente de discos, tienes la responsabilidad de escuchar los discos que tienen alma. simple. Y si no llegas a un lugar conmovedor haciendo un disco, no lo saques «.
No debería sorprender a nadie que la entrevista de tres horas de Rick Beato con Daniel Lanois es una visión fascinante de uno de los mejores productores de todos los tiempos. Un hombre que ha creado música clásica con U2, Neil Young, Bob Dylan, Emmylou Harris entre muchos otros. Incluso creó música para uno de los videojuegos más populares y aclamados de todos los tiempos con Red Dead Redemption II. Lanois también trabajó en el disco clásico de 1986 de Peter Gabriel, So, un álbum que no solo estaba lleno de grandes melodías, sino también de una producción innovadora.
La entrevista de Beato es esencial para escuchar, y si grabas música, hay mucho que aprender e inspirarte. Nuestros oídos se concentraron en los recuerdos de Lanois de las sesiones de So: entra en detalles sobre una serie de pistas clave. Don’t Give Up resuena claramente como uno de sus momentos de mayor orgullo en particular.
«Estoy impresionado cuando escucho Don’t Give Up», dice Lanois. «Qué colección inusual de sonidos y enfoques y recuerdo los incrementos y la evolución. La letra llegó bastante tarde. [hums bassline] y es tan inusual… la línea de bajo es tan rara. Quiero decir, ¿no es maravilloso si algo tiene un poco de magia y es muy singular? Me encanta y espero hacer discos como ese».
Creo que Peter Gabriel es un ejemplo de un gran artista que puede no tener una canción completamente formada y usa el estudio como escenario de composición.
Lanois es una figura clave para proporcionar un entorno en el que la creatividad pueda prosperar, pero también para responder a las oportunidades en el estudio. A veces, el proceso es lo que tiene que ser, y la canción sucede a su alrededor. La canción So, megahit Sledgehammer es un ejemplo clásico de esto.
«Creo que Peter Gabriel es un ejemplo de un gran artista que puede no tener una canción completamente formada y usa el estudio como escenario de composición», comienza Lanois. «Tuvimos el lujo de tener tiempo metronómico trabajando con Peter porque cortó todo en un beatbox, y luego añadimos la batería y el bajo después de que se construyeron las canciones.
«Pero Peter no tenía todo disponible en términos de composición cuando empezamos», explica el productor y músico. «En el camino encontrábamos algo que amábamos y lo dejábamos ser parte de la composición. A veces había una línea de bajo, otras veces era un simple [hums the looping groove intro of Sledgehammer]; esa es la base de Sledgehammer. Es una pista con la que nos divertimos mucho porque aún no era una canción formada.
«David Rhoads, un gran guitarrista que trabaja con Peter, yo en la guitarra y Peter, simplemente improvisamos esto. David Rhoads y yo creamos este pequeño [hums groove] motor, esta pequeña percoladora debajo. Y no son la atracción principal, pero son importantes para el ritmo y el tapiz. A veces, el ritmo y el tapiz proporcionarán la plataforma para que llegue la gran melodía. Tienes que ser paciente.»
La canción también es el resultado de la preparación de Lanois para capturar la magia de la improvisación de Gabriel, con la base del ritmo bloqueada hasta cierto punto. «Con lo que hemos tenido buena suerte, es que si estás en un viaje en el tiempo metronómico, entonces hazlo más largo de lo que la canción necesita, dejando espacio en la parte de atrás para cosas de improvisación y improvisaciones. Ok, la canción está terminada, vamos a tener algo». divertido. Y Sledgehammer se convirtió en eso».
Gabriel improvisó toda la parte de canto de «Kick the habit» en esta parte de la sesión. «Peter simplemente se fue y empezó a improvisar líricamente», recuerda Lanois. «Luego pudimos tomar esas improvisaciones y llevarlas a partes anteriores de la canción para ayudar a construir el arreglo y el viaje.
«Si no hubiéramos tenido esa soltura y ese parche divertido con el que trabajar, no hubiéramos tenido la misma canción. Solo digo esto como un recordatorio para mí mismo de mantener esa técnica en marcha: solo toma otros cuatro o más». cinco minutos al final de la canción para que la gente pueda divertirse un poco, estirarse y no tener las curvas en el camino de un arreglo ya escrito».
Ese es un gran consejo para cualquiera que esté grabando música. La apertura del álbum So, Red Rain, es otra canción de la que Beato habla con Lanois. «Ese fue un viaje largo», señala el productor. «Red Rain, a medida que evoluciona, comienza a sonar como lluvia: todos estos sonidos que chocan se vuelven atmosféricos. Y no me refiero a que las cosas sean solo ambientales y texturales… te lleva a un lugar. Si los sonidos te llevan a un lugar , en realidad hay una escena, hay un escenario y una historia: estoy en ese lugar que estas personas diseñaron, así que Red Rain es un ejemplo de eso.
«Llegamos a eso usando el antiguo proceso de Brian Eno… los sonidos, los efectos especiales, regresan de la caja de efectos especiales y luego se imprimen en la multipista y luego puedo procesar eso nuevamente.
«No puedes dejar estos efectos especiales encendidos todo el tiempo», advierte Lanois, «o vas a chocar contra un tren descarrilado. Un acorde un semitono al siguiente y tienes un tren descarrilado. Así que tienes que seguir golpeando en sus efectos especiales. Se convierte en una parte musical, no es solo, pongamos un poco de reverberación, y se vuelve como un arreglo floral. La reverberación no tendrá sentido en el cambio de semitono, por lo que debe imprimir la primera parte de deténgalo, deténgase, señale la siguiente nota, imprímala, etc. Por eso los efectos que está escuchando son musicales, no es solo una sala de reverberación. No tiene nada de malo, pero es posible que no funcione. [for some songs]. En mi caso, nunca funciona».
Para todos los entusiastas de los engranajes, Lanois también habla de la compresión, y de cómo la usó en el bajo de Tony Levin en esa canción y durante las sesiones de So.
«Obtuvimos esta nueva consola SSL, uno de los primeros modelos que sacaron», recuerda Lanois. «Cada canal tenía una pequeña sección dinámica: un poco de compresión y expansión de sonido. Simplemente subí cada perilla a 10».
Tuvo un efecto «ridículo» en el sonido de Levin. En el buen sentido. «Eso se convirtió en la base del sonido de bajo de ese disco», confirma Lanois. «Él [was] comprimido, expandido y cerrado. Así que tuvo mucho que ver con esa generación de SSL».
Así que ahí estás; Crazy EQ es el camino a seguir! A veces al menos.
Para muchos fanáticos de Gabriel, la canción principal del álbum es la construcción emotiva y majestuosa de In Your Eyes. Recordándonos que uno de sus puntos fuertes es como productor-músico (que también canta mucho de fondo en los discos), explica que toca el gancho en el coro de la canción con una guitarra de 12 cuerdas. Es cierto que a Lanois no le gustó el sonido, pero tenía sus usos.
«Pete tenía una guitarra eléctrica de 12 cuerdas en el estudio: un instrumento con un sonido muy metálico, no muy agradable. Se convirtió en… llamémoslo una segunda línea. Que es un término de Nueva Orleans para un papel de apoyo que podría desempeñar un tambor. Pero en este caso, el apoyo fue tal que se trataba de un componente de alta frecuencia, armónico y de alta velocidad debajo de un fraseo lento y relativamente bajo de la voz. Estos dos son compañeros encantadores».
