Estoy absolutamente fascinada con Etsy. Una comunidad global de creadores que venden su trabajo en línea: por primera vez en la historia, tiene acceso a una gama infinita de productos personalizados y hechos a mano con solo hacer clic en un botón.
¿Cuan genial es eso? Como seres humanos, nos atrae lo hecho a mano, lo hecho a medida, lo personalizado.
Como productores de música electrónica, nos enfrentamos a un gran desafío. Usando computadoras para hacer nuestra música, podemos hacer sonidos perfectos.
Podemos crear una onda de sierra perfecta, tener una caja que golpee de la misma manera cada vez y cuantizar una interpretación de piano para que sea exactamente a tiempo.
Entonces, ¿cómo usamos la tecnología a nuestro favor mientras mantenemos viva a la humanidad?
Una de las habilidades más difíciles que he tenido que aprender es lograr el equilibrio entre la edición profesional y el pulido, manteniendo una línea de visión de las imperfecciones que realmente hicieron que mi música fuera mejor.
Para crear una sensación personal y hecha a mano en sus pistas, debe tener la intención de crear imperfecciones.
En esencia, estás volviendo a agregar variación humana al ámbito electrónico de la creación musical. Aquí hay 8 técnicas para ayudarte a hacer exactamente eso.
1. Edite MIDI para agregar imperfección
La edición MIDI puede hacer o romper tu pista. Está buscando el punto óptimo entre la precisión y la varianza natural.
Muchos de nosotros recurriremos a dibujar notas MIDI en algún momento durante nuestra composición; solo tenga en cuenta que hacer clic en las notas con el mouse es intrínsecamente antinatural, y su interpretación MIDI mostrará esa rigidez a menos que deliberadamente haga las correcciones necesarias.
Se necesita un esfuerzo activo para inyectar los matices de tiempo, duración de la nota y velocidad que ocurrirían si un humano tocara el instrumento.
Cuando cree MIDI, comience cuantizando para obtener el rendimiento que desea y luego humanícelo. Agregue ligeras alteraciones a los tiempos y velocidades de cada nota MIDI para crear una interpretación más convincente. Además, intente evitar copiar y pegar bucles sin cambiar nada.
Las pequeñas ediciones de las voces (pruebe con inversiones), la velocidad y el tiempo contribuyen en gran medida a que la pista se sienta como una interpretación continua en lugar de un bucle atascado en la repetición. Realmente se trata de tomar un proceso de dos pasos para asegurarse de que está agregando vida nuevamente al MIDI. Pregúntese 1) «¿He introducido la velocidad humana y el tiempo en esto» y 2) «¿Cómo puede este ciclo ser diferente de los demás?»
Ciertos elementos requieren una cuidadosa humanización: nuestros oídos están especialmente sintonizados con el flujo y reflujo de instrumentos acústicos como pianos, cuerdas y charles.
Dado que los instrumentos de gama baja sirven como ancla en la mayoría de los géneros electrónicos, te harás la vida más fácil si mantienes el bombo y el subgrave en niveles constantes y ajustados a la cuadrícula.
2. Usa ruido blanco
El ruido blanco recuerda inmediatamente a los equipos analógicos y los sonidos acústicos. Agregar un poco de ruido blanco de buen gusto puede marcar una gran diferencia al llevar un sonido de digital y frágil a real y completo.
Muchos complementos de estilo analógico, como Soundtoys Radiator y Waves Abbey Road Vinyl, agregan ruido blanco de estilo analógico a un sonido. AudioThing Vinyl Strip lo lleva un nivel más allá y le permite obtener lo-fi con compresión estilo giradiscos, reducción de la frecuencia de muestreo y distorsión.
Hay dos formas principales de introducir el ruido blanco: utilizando un generador de ruido (como Pink de Credland Audio) o muestras de alta calidad. El paquete de muestra de Hyperbits incluye una colección de muestras de ruido de vinilo orgánico que uso en casi todas las pistas.
3. Abraza el arte de grabar
Puede crear música con un sonido excelente con bibliotecas de muestras, VST e instrumentos virtuales. Pero se perderá algo y no sabrá qué hasta que comience a grabar su propio audio.
Si tienes los medios para grabar un instrumento que encaje con tu canción, ¡hazlo! Te hará un mejor ingeniero de grabación y mezcla. Incluso si no juegas uno, busca a un amigo que sí lo haga y colabora.
Una consideración importante cuando se trabaja con la grabación de audio… vienes del extremo opuesto del espectro de humanización en comparación con MIDI perfectamente cuantizado.
Tus ediciones no son para agregar imperfecciones, sino para limpiar y pulir la pista mientras retienes solo las imperfecciones más maravillosas.
En otras palabras, busca el mismo resultado final (rendimiento humano con swing y sensación), pero editando el rendimiento para que sea más estricto en lugar de introducir imperfecciones.
Habrá un ruido sordo de gama baja, por lo que querrá cortar las frecuencias secundarias en algún lugar entre 100 y 150 Hz. Es casi seguro que necesita un poco de compresión, y es probable que su pista se beneficie de la corrección de tono y tiempo. Simplemente no te excedas.
Una cosa que me encanta de grabar mis propias muestras es que instantáneamente te sientes más conectado con la pista. Incluso incluir una grabación de campo de iPhone como capa de fondo hará que te conectes con tu música de una manera nueva.
4. Grabaciones de campo
Las grabaciones de campo son una de mis formas favoritas de hacer que una pista sea única. No hay mejor manera de crear un espacio sonoro que se sienta como si estuviera en el mundo real que inyectando un poco del mundo real en tus pistas.
Tome una grabadora de campo y tome algunas grabaciones extendidas (de al menos un minuto de duración) del mundo que lo rodea.
Trate de evitar grabaciones que tengan algo demasiado tonal, por ejemplo, una cafetería donde se reproduce música, y en su lugar busque paisajes sonoros ambientales interesantes.
Los sonidos de corredores en un sendero para correr, el murmullo tenue en el vestíbulo de un museo, el sonido de un riachuelo… Estos tipos de texturas añaden movimiento interesante e imprevisibilidad de la vida real a una canción.
Las grabaciones de campo son mejores cuando se fusionan con su paisaje sonoro existente y se mantienen bajas en la mezcla. Puede recortar una tonelada de grasa de los bajos, y empujar hacia abajo la presencia con un estante alto ayudará a que el espacio se sienta más alejado y más natural.
Mezcle grabaciones de campo a un nivel en el que si las silencia, nota la ausencia, pero cuando están presentes, un oyente (al principio) no podría darse cuenta de que están allí.
5. Usa un sintetizador analógico (o un instrumento real)
El debate analógico vs digital es uno que todos hemos escuchado antes. Los sintetizadores analógicos y digitales tienen sus propias ventajas y desventajas, pero uno de los principales beneficios de usar un sintetizador analógico son las imperfecciones que lo acompañan.
¿Cuánto tiempo ha estado encendido el sintetizador? ¿Qué tan estable es la fuente de energía? ¿Qué tan buenos son sus cables, interfaz y preamplificadores? Todo esto cambiará el sonido que obtienes de un sintetizador analógico, y el sonido en sí tendrá movimiento e imperfecciones sin importar qué.
El equipo analógico agregará los tipos correctos de variación e imperfección a su música. También puede desarrollar una filosofía para usar sintetizadores digitales de manera similar.
¿No tienes acceso a un sintetizador analógico? Compra un instrumento viejo y barato y empieza a jugar. Aquí hay un montón de mis ideas favoritas (además de tocar la guitarra en el interior con una bufanda cuando vivía en Brooklyn, solo por si acaso):
- Atmósfera tonal extraña
Graba una pista aleatoria a tu progresión de acordes (no pienses demasiado en esto), invierte todas las notas, córtala, crea una nueva melodía, agrega una tonelada de reverberación, retardo, etc. y acabas de escribir una extraña atmósfera tonal. lo que puede crear una tonelada de tensión, amplitud e interés en una producción por lo demás mundana. - Hacer sonar algunos acordes
Más no siempre es más. Intente tocar la progresión de acordes de su pista y simplemente suene los acordes en el tiempo fuerte. Grabe por separado para el lado izquierdo y derecho de su altavoz para diferencias estéreo. Comprimir bastante fuertemente. Esto puede agregar vida y color a una pista de sonido estancada y digital. Intente invertir los acordes para divertirse un poco más. - Toca la nota fundamental
Simplemente tome un instrumento y toque la nota raíz de su pista. Ahora tiene una base muy analógica para tensión y espacio adicionales en su pista. Agregue reverberación, retrasos extraños, distorsiones, experimente con paquetes de efectos especiales como Sound Toys y corte y reproduzca un pad que nadie más en el mundo ahora tiene, excepto usted. - Ralentizar o acelerar una actuación
Supongamos que su pista está en 120 BPM: ¿qué sucede si la reduce a 90 BPM y graba algo de guitarra? ¿Qué pasa si lo aceleras hasta 150 BPM? Lo que puede encontrar es que un nuevo tempo inspira todo tipo de nuevas melodías y variaciones, y luego, la mejor parte, revertir la nueva interpretación al BPM original. A veces esto puede sonar realmente genial. A veces simplemente apesta, pero bueno, se trata de experimentar. - Curvas de guitarra
Nada va a sonar tan orgánico y real como un pitch bend natural con un instrumento (guitarra, bajo, saxofón, lo que sea) graba un pitch bend que se resuelva en la nota raíz de tu pista, distorsionarlo, distorsionarlo, agregar locos retrasos experimentales – estos actuarán como elementos de transición INCREÍBLES y únicos para colocar al final de un bucle de 8 compases o para ingresar a una nueva sección de la canción.
6. Diseña sonidos imperfectos
Estas son las formas más efectivas de dar a sus parches de sintetizador de software el tipo de calidez analógica que el hardware imparte de forma natural:
- Usa LFO aleatorios. Para cada sonido, tome algunos LFO que oscilen a tasas aleatorias y asígnelos a los parámetros que desea mover con el tiempo. Comience con el corte del filtro, la forma del oscilador, los volúmenes individuales del oscilador y cualquier tipo de FX (saturación, modulación, etc.). Manténgalo sutil: quiere que esto esté apenas por debajo del umbral de lo perceptible. Comience con cada LFO afectando el parámetro de destino en un 3-5%, y su sonido de sintetizador tendrá inmediatamente un movimiento de estilo analógico.
- Encienda el generador de ruido. La mayoría de los sintetizadores facilitan marcar un poco de ruido blanco para emular el zumbido de un sintetizador y el ruido captado por el cableado de la vida real. Descubrí que esto funciona mejor cuando el oscilador de ruido comparte la misma envolvente ADSR que el sonido principal.
- Desafina ligeramente tus osciladores. Los sintetizadores analógicos tienen una tendencia natural a cambiar de tono en pequeñas cantidades (1-3 centavos). Los LFO también funcionan para introducir una deriva de sonido natural en el ajuste fino del oscilador.
Nota: Cualquiera de estos movimientos por sí solo no hará o deshará tu pista, pero algunos en cada capa se sumarán a una mezcla final con imperfecciones de buen gusto.
7. Introducir Movimiento y Automatización
Después del diseño de sonido, emplee algunas estrategias de movimiento para darle vida a su música. Esto ayuda a minimizar la naturaleza estancada de los sonidos electrónicos «perfectos».
- Modulaciones panorámicas: tome un complemento de trémolo (o Soundtoys Panman) y agregue un movimiento panorámico aleatorio a sus sonidos. Busque un movimiento del 10 al 20 % a una velocidad que no esté sincronizada con el tempo de la pista.
- Modulación de volumen: concepto similar al anterior, esto introducirá ligeros cambios en los volúmenes de ciertos sonidos. Evite hacer esto en los elementos principales de su pista (voz, solistas, bajo), pero definitivamente utilícelo en capas de apoyo, atmósferas y efectos especiales. Busque un cambio de volumen de ~10 % utilizando un trémolo con la fase L/R configurada en 0 grados, o utilice Soundtoys Tremolator.
Sin embargo, tenga cuidado con este tipo de movimiento: el movimiento en cada sonido hará que su mezcla se sienta desordenada e inestable.
8. Automatización “en vivo”
La mayor ventaja de los sintetizadores de instrumentos reales y analógicos es poder tocarlos.
Aquí hay algunas maneras en que puede mejorar su interacción con los instrumentos de software:
La imperfección es la clave para sacar tu música del estéril reino digital. ¿Qué otras estrategias utilizas para hacer tu música más humana? ¡Háganos saber en los comentarios a continuación!
