No se equivoquen, aunque nunca recibió niveles de popularidad tan incendiarios como Eric Clapton o Jimmy Page (se abre en una pestaña nueva), su predecesor y sucesor respectivamente en The Yardbirds, Jeff Beck fue sin duda uno de los jugadores más asombrosos que jamás haya maltratado. una guitarra.
Después de ocupar el lugar de Clapton en la pionera del género «Yardies» con solo 21 años, Beck se mantuvo al menos un paso por delante de la curva musical a lo largo de su carrera de casi seis décadas.
Sus lanzamientos de estudio abarcaron géneros que van desde el blues-rock hasta el hard rock, el jazz fusión e incluso la electrónica. Su experimentación con la fisicalidad y las posibilidades tonales de la guitarra eléctrica (se abre en una nueva pestaña) aparentemente no conocía límites, y era igualmente experto en tocar riffs, tocar solos, tocar diapositivas y crear aventuras de paisajes sonoros melódicos y llenos de vibraciones.
Tal vez aquí radica la razón por la que no muchos oyentes han aceptado o entendido a Beck como lo han hecho con Clapton o Page: simplemente es muy difícil definirlo como un solo ‘tipo’ de jugador.
Si pusieras todo el catálogo anterior de Jeff Beck en reproducción aleatoria, te enfrentarías a algunos cambios genéricos serios, quizás hasta un punto un poco confuso, especialmente si no estuvieras presente para seguir el desarrollo de su carrera en tiempo real.
Esto, combinado con la naturaleza predominantemente instrumental de gran parte de su trabajo, puede generar algunos obstáculos leves de accesibilidad, pero si alguien justifica la perseverancia, está justificada con Jeff Beck.
Esta lista tiene como objetivo proporcionar algunos puntos de partida para comenzar a explorar su amplio repertorio, con pistas destacadas de puntos clave de su carrera.
1. Beck’s Bolero – Verdad (1968)
Grabado en 1966 y lanzado en 1967, Beck’s Bolero fue el primer lanzamiento de Jeff después de dejar The Yardbirds. Estrictamente hablando, se lanzó simplemente como la cara B de Hi Ho Silver Lining, pero incluso el propio Jeff podría agradecernos por no detenernos en eso por mucho tiempo. Dos años después de su grabación, la pista se agregó al álbum debut de Beck en 1968, Truth.
La canción se inspiró en la pieza orquestal de Maurice Ravel, Bolero, y fue escrita por el viejo amigo de Beck, Jimmy Page, quien también tocó las partes rítmicas en su guitarra eléctrica de doce cuerdas Fender Electric XII (opens in new tab). La banda también contó con Keith Moon (opens in new tab) en la batería, John Paul Jones en el bajo y Nicky Hopkins en los teclados. Era un conjunto que fácilmente podría haberse convertido en Led Zeppelin si las estrellas se hubieran alineado de manera un poco diferente.
La canción consta de tres partes bien diferenciadas. En la primera sección, las partes principales de Beck, que tocó en una Gibson Les Paul (opens in new tab) a través de un amplificador Vox AC30, alternan entre una melodía principal impulsada por fuzz y un motivo de diapositiva cargado de eco. La segunda parte entra en acción con un grito de Keith Moon y la línea de la melodía se abandona en favor de múltiples capas entrelazadas de efectos de guitarra que incluyen retroalimentación, fase y eco, todas técnicas de paisaje sonoro bastante experimentales para la época.
La parte culminante de la pista se construye con capas de lamentos de blues-rock sin adulterar antes de concluir abruptamente en solo 2 minutos y 50 segundos. En general, es un viaje bastante salvaje, y sus inclinaciones psicodélicas son anteriores a otros hitos en el género, como la llegada de Jimi Hendrix a Londres y la formación de Cream.
Reflexionando en una entrevista de la revista Classic Rock de 2018 (se abre en una nueva pestaña), Beck señaló la alquimia particular de la pista: “No podía creerlo cuando volvimos y la escuchamos en la sala de control. Íbamos: ‘Esto es increíble. ¿Qué podemos hacer con él? Y lo siguiente que sabemos es que Keith está de regreso con The Who (opens in new tab) y todo nunca despegó”.
2. Porque hemos terminado como amantes – Golpe a golpe (1975)
Cause We’ve Ended As Lovers es un verdadero punto culminante del álbum de Jeff Beck de 1975 producido por George Martin, totalmente instrumental, Blow by Blow. Fue escrito por Stevie Wonder y presenta algunas de las interpretaciones más vocales y tristemente expresivas de Beck.
Wonder y Beck se habían hecho amigos unos años antes y colaboraron en el disco Talking Book de Wonder de 1972. Junto con las palabras “gracias a Stevie” en las notas de la portada de Blow by Blow, Beck también dedica la pista a Roy Buchanan, un músico que fue una influencia temprana para él.
Buchanan fue pionero en técnicas de interpretación expresivas como la creación de aumentos de tono y volumen manipulando las perillas de control de su guitarra.
Puede escuchar la influencia directa de este derecho desde los gemidos iniciales de Beck y luego a lo largo de la emotiva melodía y las partes principales de la canción. Es una técnica que Beck adoptó, perfeccionó y avanzó a lo largo de su carrera hasta que se convirtió en una marca registrada de su sonido. En presentaciones en vivo, rara vez lo verás sin su dedo meñique al alcance de la mano de los potenciómetros de volumen y tono, listo para crear variaciones dinámicas similares a la voz humana.
El tono de guitarra único en esta pista también se debe, en parte, al uso de una guitarra única: el famoso «Tele-Gib» de Beck. Un regalo de Seymour Duncan para Beck, la Tele-Gib es una guitarra híbrida con el cuerpo de una Fender Telecaster de 1959 (opens in new tab) y las pastillas de una Gibson Flying V de 1959 que una vez perteneció a Lonnie Mack.
En palabras del propio Duncan: “Trabajé en cada detalle de la guitarra, para que fuera algo único y digno del talento de Jeff. Una vez que finalmente estuvo lista, le llevé a Jeff la guitarra completa y pareció impresionado”.
No hay muchas grabaciones de video de la guitarra en acción, pero se puede ver en una presentación en vivo de Cause We’ve Ended as Lovers de The Secret Policeman’s Other Ball de Amnistía Internacional de 1981. Para esta presentación, Beck se unió al escenario. por nada menos que Eric Clapton.
3. Goodbye Pork Pie Hat Wired (1976)
Goodbye Pork Pie Hat ha sido durante mucho tiempo un elemento básico de las presentaciones en vivo de Jeff Beck, y puso el listón alto para la fusión instrumental cuando se lanzó en Wired de 1976.
No es una composición original, por supuesto, sino una reinvención de la oda de Charles Mingus al saxofonista Lester Young. El estándar del jazz también ha sido abordado por artistas tan diversos como Bert Jansch, John McLaughlin y Joni Mitchell (que incluso agregaron letras a su versión), pero la interpretación a fuego lento y temperamental de Jeff Beck se ha mantenido particularmente bien.
En comparación con la mayoría de las pistas de Wired, la forma de tocar de Beck aquí es bastante restringida, pero sin embargo es apasionada, con curvas lentas y melancólicas y muchas técnicas expresivas características tanto de la mano izquierda como de la derecha.
En este punto, Beck había pasado en gran medida de tocar Les Pauls a preferir la Fender Stratocaster (opens in new tab), que por primera vez vemos en la foto al frente y al centro de la portada del álbum. La Stratocaster se convertiría en la guitarra más utilizada por Beck en las próximas décadas, gracias en gran parte a las posibilidades sónicas adicionales que ofrece su sistema de brazo de trémolo.
A medida que avanza la pista, el uso de Beck de técnicas experimentales de barra vibratoria se intensifica y su fraseo se vuelve cada vez más heterodoxo. La retroalimentación controlada por expertos se usa para inclinar la pista hacia una sensación casi de la era espacial, mientras que la progresión de jazz-blues que serpentea debajo ata las salvajes técnicas interpretativas de Beck de vuelta a la tierra y a las tradiciones musicales que creció escuchando.
4. Nadia – Te lo merecías (2001)
Nadia es la quinta pista del octavo álbum de estudio de Jeff Beck, You Had It Coming, y es una reelaboración de una canción de Nitin Sawhney de 1999: una obra maestra de slide-meet-whammy bar con inflexiones de influencia india. Hablando con Classic Rock, Beck citó la canción como uno de los momentos que definieron su carrera en una entrevista de Classic Rock Magazine de 2018.
“Fue un desafío y medio tratar de obtener todas esas escalas indias y esas cosas, pero una vez que obtuve la melodía, todo fue sencillo”, dijo. “En un momento copié un canto de mirlo. Solía escuchar uno en un manzano afuera de mi ventana cuando era niño, y esa melodía era muy silbable. Así que compramos un CD de cantos de pájaros y ralentizamos el canto de los mirlos para que pudiera elegir la melodía. Luego lo transpuse a un cuello de botella”.
A lo largo de la pista, Beck cambia de usar un deslizamiento a tocar notas con los dedos y matizarlas con aleteos de barra vibratoria para obtener acceso a las notas entre las delineaciones estándar de los trastes.
Su dominio absoluto de ambas técnicas hace que sea difícil distinguir entre las dos en varios puntos de la pista, y se fusionan casi a la perfección. El sonido resultante tiene una calidad similar a la de un sitar electrificado, pero todo lo que escuchamos proviene de una humilde Fender Stratocaster.
En este punto de su carrera, Beck también había dejado de usar un pico, optando en cambio por el enfoque más diestro de tocar con el pulgar y los dedos. Una presentación en vivo de la canción de Ronnie Scott en 2008 brinda una visión particularmente buena de cuán involucradas están las técnicas de la mano izquierda y derecha en esta canción.
Beck cambia hábilmente de diapositivas a notas con trastes, mientras ajusta atentamente los controles de volumen y tono, el brazo del trémolo y cambia la selección de pastillas del puente al mástil y viceversa. Están sucediendo tantas cosas que si parpadeas, ¡realmente te perderás un truco!
5. Hammerhead Emoción y conmoción (2010)
Hammerhead ganó el premio Grammy 2011 a la Mejor Interpretación Instrumental de Rock, contra la dura competencia de The Black Keys, Dave Matthews y Dweezil Zappa.
Si bien gran parte de Emotion & Commotion se caracteriza por ricos acompañamientos orquestales, Hammerhead recuerda mucho más a las ofertas anteriores y más rockeras de Jeff Beck de los días de los Yardbirds y álbumes de la década de 1970 como Blow By Blow.
La pista abre con una introducción impulsada por wah wah al estilo de Jimi Hendrix, no muy diferente a ‘Voodoo Child (Slight Return)’ en su estilo y entrega. Sin embargo, alrededor de los 38 segundos, la pista cambia de estilo, la sección rítmica se une y la pista se lanza a un riff cíclico de conducción con una sensación de 12/8. Es Jeff Beck en su mejor momento.
El trabajo principal de Beck en la pista también transmuta de un oleaje lánguido y restringido a una fusión de oídos en toda regla con un trabajo de barra de golpe de bombardeo en picado saturado que haría que incluso Eddie Van Halen corriera por su dinero.
Beck ha acreditado al músico checo-estadounidense, el compositor Jan Hammer, como la inspiración para Hammerhead. Hammer había tocado teclados con la Orquesta Mahavishnu a principios de la década de 1970 y colaboró con Beck (opens in new tab) desde 1976 en Wired, antes de componer bandas sonoras para cine y televisión, incluido el tema de Miami Vice.
Por improbable que parezca, se pueden escuchar algunas similitudes estilísticas entre el tema musical clásico de los 80 y la obra maestra ganadora de premios y con riffs duros de Beck.
